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EFTI en: FIEBRE Photobooks

Fiebre Photobook es el primer Festival de España especializado en el libro de fotografía y cuenta con su propio Festival OFF en los días previos al evento.
El objetivo de FIEBRE es promover el encuentro entre editoriales, autores y el público y poner en valor el libro como soporte de creación y expresiónde en este mundo líquido que siempre amenaza con un apagón digital.

Y allí estaremos el 30 de noviembre, el día 1 y 2 de diciembre con un montón de libros de alumnos y antiguos alumnos del Master, para que puedas consultarlos. Pasa a visitarnos y charlamos.
Recuerda que este año FIEBRE cambia de sede.  Será en Daoiz y Velarde, muy cerca de la escuela. Horario: Viernes: 17h a 21h. Sábado: 11h a 21h. Domingo: 11h a 19h.

Allí nos encontraremos con antiguos alumnos como The Kids Are Right, que presentan 'QUIMERA', al profesor Juan Valbuena con 'Rockin´in the Phree World' el sábado por la mañana y por la tarde respectivamente en la actividad de Pechakucha Photobooks.
También estará la alumna Bárbara Traver en las BookJockeys Session el sábado a las 19h y el antiguo alumno Rubén H. Bermúdez con el taller y la charla abierta "La hipótesis populista" el viernes a las 19h. Y podrás ver los resultados del taller de collage 'Quebrantahuesos' de la profesora Verónica Fieiras (CHACO) con la participación de alumnos y alumnas de Escuela Artediez.

Dentro de la programación de OFFFiebre 2018 te invitamos a que vengas el día 29 a las 19h en Sala EFTI. Charlaremos sobre el arduo trabajo de la edición (que no retoque)

Actividad off Fiebre

 



Seleccionar, descartar, secuenciar… ¿Intuición, estrategias o fórmulas?
Hablemos con Juan Valbuena, Laura San Segundo, David García y Caroleh Alfarah desde experiencias fallidas, incógnitas recurrentes y aciertos. 
Seamos honestos ¿editamos para el lector o para el encuentro con el ego?
¿Cuánto es el tiempo necesario para una edición madurada?
¿Qué papel juegan los conocimientos de diseño gráfico en lo profundo y en lo superfluo de la creación de narrativas? ¿Qué ocurre con el material que finalmente no juega?
Presentamos un encuentro a tres bandas para intentar desvelar desde la experiencia algunas de las claves de la edición para libros, exposiciones o encargos.

RESERVA PLAZA . Es gratis

 



AGENDA COMPLETA DE FIEBRE
Actividades en Centro Cultural Daoiz y Velarde,

— Viernes 30
17:00 Apertura del festival
18:00 Inauguración oficial festival + Presentación exposiciones 2018
18:30 Presentación APORIA de Andrew Waits, ganador Dummy Award 2018
19:00 La hipótesis populista, charla de Rubén H. Bermúdez
19:45h Fiesta Fiebre
21:00 Cierre de puertas

—Sábado 1
11:00 Apertura al público
11:00 Taller “Saturday morning fever” con InSonora (inscripción previa)
12:00 Pechakucha Photobooks! Presentaciones exprés
13:30 Cantina
17:00 Pechakucha Photobooks! Presentaciones exprés
19:00 BookJockeys Sessions
21:00 Cierre de puertas

—Domingo 2
11:00 Apertura al público
12:00 Pechakucha Photobooks! Presentaciones exprés
13:30 Cantina
17:00 El Trigo. Alimentación Colectiva. Actividad para toda la familia
19:00 Fin del festival

 

Algunos de los libros de antiguos alumnos que podrás ver 




IÑAKI DOMINGO: Ser Sangre
Sus proyectos personales investigan el uso de la fotografía como herramienta para la introspección, y en ellos utiliza su propio contexto para abordar diferentes conceptos relacionados con la fragilidad de la existencia contemporánea. Premio Injuve, revelación PhotoEspaña, Job Swart de la World Press Photo Foundation. Ha expuesto en centros de arte y galerías en Europa, Latinoamérica y Asia. Actualmente pertenece a Nophoto 



 

GUSTAVO ALEMÁN: (NO) soy de aquí

Es uno de los nombre propios del fotolito español. Autor, gestor, galerista y editor en FuegoBooks, formador y miembro del colectivo Underphoto, es un agitador del mundo de la fotografía. (No) Soy de aquí fue incluido en la exposición de fotolitos ‘Libros que son fotos, fotos que son libros’ en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía.



 

SIMONA ROTA: Ostalgia

Ostalgia: “Es una palabra que nació en los noventa. La inventaron los alemanes de la RDA [el lado soviético del país después de la II Guerra Mundial] para reflejar su añoranza por la vida y los objetos de entonces”. Tanto los más espectaculares, las arquitecturas megalómanas de estilo uniforme e industrial, como los más mundanos: “Como los botes de pepinillos en vinagre”

Ostalgia fue premio PhotoEspaña al mejor libro de fotografía de 2014. 

 

AQUELLOS QUE ESPERAN : Así nace la espera

"Aquellos que esperan", el proyecto de Diego Sánchez y Borja Larrondo, es uno de los ganadores de la beca FotoPres "la Caixa" de esta edición. Trabajaron durante más de dos años en uno de los barrios suburbiales de la periferia de Madrid.  

ASI NACE LA ESPERA. VOLUMEN 1: Toda sociedad crece sobre sus cloacas. Todo sistema trata de marginar aquello que aborrece, lo que le atemoriza y que crece sin control de puertas hacia afuera. La droga, la pobreza y la delincuencia han sido enfermedades durmientes en la vida de un barrio nacido de centenares de chabolas. Construido con las manos de sus vecinos, odiado y amado por los que lo viven a diario y por los que lo sufren, las calles de Orcasur quedan sumidas en luces y sombras. La sensación que inunda a los foráneos es la del abandono: locales cerrados, contenedores de basura que rebosan y personas que caminan sin rumbo, sin horarios, sin reloj... Es la rutina del vacío, la de las mañanas perdidas y la de las tardes fumando a la sombra. Un deja vú diario para los que afrontan cada día como el anterior. Nacen entonces las fobias y la ira ante lo que les pertenece pero que no llega. Así nace la espera

 



 

ALEJANDRO MAUREIRA : Passenger

Algunos objetos sí tienen la capacidad de significar pues están cargados de sentido. Son objetos capaces de condensar recuerdos, no como si hubieran estado programados para ello, sino en el sentido de que han tenido una vida de apego a una persona y han dejado el rastro de esta persona en su cuerpo. Benjamin hablaba de objetos fetiche capaces de condensar distintas temporalidades, que al ser activados (a través de los sentidos) en el presente poseen la potencialidad, mediante la rememoración de recuerdos,de llevarnos al pasado, un pasado en ocasiones tumultuoso o trágico que hay que asumir para construir un porvenir.En este sentido, el trabajo de Alejandro Maureira y en PASSENGER se enraíza dentro de la autobiografía reflejando al mismo tiempo síntomas arquetípicos de la sociedad de consumo -su lado oculto, oscuro, que muestra el fracaso de la modernidad- así como la reflexión acerca de la configuración personal del yo del propio artista, al realizar una incursión dentro de su propio álbum familiar a través del uso de una serie de objetos que poseen una fuerte carga emotiva. 

 

ALESSIA ROLLO: In Domestico

El silencio ronda cada una de estas imágenes, las cuales toman la comida y el conjunto de factores que orbitan a su alrededor como punto de partida para reflexionar sobre una materia harto estudiada: el hombre en relación con su alimentación. En el caso de Alessia Rollo se trata de una conversación silenciosa, perceptible sólo a través de unas imágenes en las que no falta la tristeza o la soledad pero por las que también transitan el humor y la siempre bien recibida alegría de las flores.

Agrupa lugar, tipología y caducidad junto a una crítica manifiesta del consumo irracional e insatisfactorio de la comida vulgar, con frecuencia la más consumida. Puede que sea su mayor logro dado que consigue congelar, literalmente, todos estos aspectos y encerrarlos en una cápsula. Las consecuencias de la cadena alimentaria (de la que formamos un eslabón más), pero sobre todo su propuesta y escasa satisfacción final subyacen en prácticamente todas sus imágenes. Y no hacen sino acentuar esa sensación de temporalidad y fragilidad en la que se ha convertido el ser humano.




 

JAVIER AYUSO: Me queda la palabra

En sus últimos trabajos reflexiona en torno a la naturaleza del ser humano en relación con el entorno. Desde nuestros instintos más primitivos hasta el ser humano como ser social, como anomalía animal que mantiene una relación de amor/odio con todo aquello que le rodea. Le inquieta, le tienta, hablar de algo y no mostrar de forma explícita aquello de lo que habla. Prefiere las imágenes sutiles y sugerentes a la inmediatez plástica y conceptual a la que nos tiene acostumbrados la publicidad, con la que ha experimentado en trabajos anteriores a través de la unión de dos medios de expresión comúnmente vinculados a la publicidad, imagen y palabra.

 

DAVID CATÁ : Déjame volar

El trabajo de David Catá establece un juego entre la memoria personal y el acto creativo. Un acto temporal que queda registrado a través de la fotografía, el video, la pintura e incluso la escultura.El poder de evocación de los objetos personales y las fotografías de su álbum familiar le sirven como inspiración. A través de ellos reflexiona sobre el tiempo, la memoria y la forma de dilatar el proceso del olvido, valiéndose de elementos efímeros como el hielo, el hilo, dientes de león, sal…En ocasiones es su propio cuerpo el que se convierte en soporte artístico de su entorno y sus vivencias. Los cosidos y fisuras realizadas sobre su piel pretenden ser una metáfora de la indisoluble simbiosis entre el paso del tiempo y el olvido. Su obra aspira a la conservación del tiempo pasado por medio de la huella memorial, corporal, fotográfica, videográfica… Es un trabajo que va más allá de una búsqueda estética. Sus videos performáticos son un ejercicio catártico, en ellos planta cara al olvido y a la tristeza que nos deja la falta del ser querido, “haciendo carne” el sufrimiento se desprende físicamente de él de una vez por todas. Lo efímero de la vida, la huella física e inmaterial, el dolor… están estrechamente ligados a su trabajo.

“Todas las personas que conocemos nos marcan de alguna manera. Su imagen se proyecta sobre nosotros, recordándonos de dónde venimos. Sus vidas se convierten en parte de la nuestra. Cada puntada sobre mi piel los representa, el dolor físico no es frontera, nos une más, al pensar que mi mano ha sido marcada en un acto de afecto; al pensar que en su momento mi mano ha tocado su mano.”

CHRISTIAN LAGATA: Up Around The Bend

Intentar transmitir una experiencia, un acontecimiento o un estado de ánimo es mi principal excusa a la hora de desarrollar un proyecto. Investiga sobre la relación del individuo y su entorno, sobre los espacios que habitamos y sobre las formas contemporáneas de la vida doméstica y la reflexión del estado de los objetos que habitan en una época de reproducción mediática salvaje. Su proceso de trabajo se basa en buscar, combinar y remezclar materiales pobres, objetos encontrados y desechos, signos que le incitan a experimentar nuevas vías interpretativas de lo que nos rodea. Le interesa la imagen y su imbricación con otros medios como la escultura, las instalaciones, los medios visuales y la música, así como la creación de escenografías, atmósferas o environments.

UP AROUND THE BEND
En 1953, Estados Unidos y España firmaron un acuerdo de defensa mutua y ayuda económica, en la que pactaron construir una Base Aeronaval en el municipio de Rota, Cádiz. De las 8.000 hectáreas que conforman este municipio, unas 2.400 pertenecen a la Base, dibujando en el paisaje de esta pequeña población la presencia constante de una valla, que a pesar de constituir una barrera física entre comunidades, deja escapar por sus rendijas las costumbres y tradiciones norteamericanas. 
Alrededor de los años 70 la familia de Christian se instala en Rota, lo que hace que éste crezca rodeado de estas influencias culturales y sociales. Es en el año 2011 cuando el autor comienza a observar y girar sobre sí mismo para comprender e intentar dar sentido a la base de su vida, sus raíces. Retrata a esos personajes que conforman su realidad, esos lugares que son parte de sus recuerdos y esas señales que poco a poco le ayudan a resolver las numerosas cuestiones sobre identidad y memoria que animan este proyecto.Completando el proyecto con una serie de imágenes apropiadas sobre individuos que viven en el interior de la base militar extraídas de diferentes redes sociales.

 

PALÍDROMO MÉSZÁROS: TheLine

El trabajo de Palíndromo Mészaros se centra generalmente en la fotografía documental y se especializa en la Europa del Este contemporánea. Ha desarrollado la mayor parte de su trabajo en Hungría. Su formación en arquitectura es un punto clave de su enfoque de la fotografía, orientado a la representación de los problemas y dilemas sociales y antropológicos de las sociedades europeas a través de sus restos físicos. Él cree que la estética y el rigor documental deben ser juntos y respetados de la misma manera.

THE LINE En octubre del 2010, un escape de lodos tóxicos provenientes de una factoría de aluminio asoló varias villas en el oeste de Hungría, matando a nueve personas y forzando a la evacuación de miles de habitantes de la zona afectada. El fotógrafo español Palíndromo Mészáros viajó a la zona seis meses después para contemplar los efectos de la mortífera riada tóxica, produciendo imágenes tan surrealistas e impactantes como esta “The Line“.En efecto, esa gruesa línea roja y el extraño e inquietante efecto que produce no es obra del Photoshop, sino la marca permanente dejada sobre los árboles por la crecida de los subproductos contaminantes.

 

GERAY MENA:Quicksnap

Geray Mena es un fotógrafo y artista visual que se interesa por la biografía de los objetos, los gestos y sus lenguajes. Su práctica investiga dentro de lo cotidiano, lo real y lo ilusorio, así como la forma en la que estos conceptos afectan a nuestra memoria. Tras realizar el máster de Fotografía Conceptual en EFTI (Madrid) se traslada a Ámsterdam para estudiar Bellas Artes en el departamento de fotografía de la Gerrit Rietveld Academy. En 2016 realiza su primera exposición individual, pr1sm, en la 4bid Gallery de Ámsterdam, recibe también las becas descubrimientos PhotoEspaña 2014, Emergentes DST 2015 y participa en diversas muestras colectivas como Ética y estética de lo verdadero en el Palacio Quintanar, Segovia 2016, Mínimos en la Galería Cero, Madrid, o Feet First Fair en The Macbeth of Hoxton, Londres. Recientemente realiza las residencias de artista OT301 y WOW en Ámsterdam.




JUAN SANTOS: 
Me acuerdo

Concibe y utiliza la fotografía como instrumento de indagación y reflexión más que como espejo de la realidad. “Sus proyectos personales tratan sobre la comunicación y los signos, así como a los diferentes niveles conceptuales y posibilidades de lectura de las imágenes”. Ha mostrado su obra en festivales como FotoNoviembre, PhotoEspaña, Getxophoto y Madrid Abierto .

ME ACUERDO: Juan Santos entra de puntillas en las arenas movedizas del recuerdo y de su pérdida, de la posesión y su arrebato, en un delicado ejercicio de emoción contenida que no nos deja indiferentes, porque toca algo muy profundo que habita ahí adentro. Palabra e imagen. Imagen y palabra, herramientas siempre presentes en su obra que dan aquí otra vuelta de tuerca para acariciar, estrujándola, esa víscera hecha de sangre y recuerdos que llamamos corazón.

 

MARÍA SÁNCHEZ :Miel de abeja

Por mi  cabeza hay diferentes cuestiones que me rondan siempre y que  pienso pueden reflejarse en mis piezas. Trato de acercarme a estas imágenes mentales desde  una manera o procedimiento inconsciente, traerlas desde el mismo lugar donde se originan. Los temas que mueven mi pensamiento son:
 - La presencia corporal. Sé que existo porque tengo cuerpo, es de lo poco que estoy segura, creo.
- La fragilidad o inocencia. 
Pienso en la idea de planitud, desmaterialización, descosificación, en una especie de nudo o lugar donde confluyen espacio, tiempo y mirada. Quedarme fuera, o dentro. La necesidad de estar o no estar al mismo tiempo, pertenecer a la levedad, volverme infinitamente  pequeña, ver el mundo a través. Son algunos de los elementos que recuerdo tener agolpados y que trato de ordenar mediante imágenes.

MIEL DE ABEJA: El bodegón como género entendido desde las artes plásticas siempre nos presenta algo que se ofrece para no poder ser disfrutado, sólo deseado (o ignorado, según el caso), y es posiblemente la forma representada que mas invoca la distancia insalvable entre el referente y la imagen. Su disposición, generalmente sobre una mesa, ordenado y preparado para la degustación, nos proporciona casi todas las sensaciones menos aquellas para las que la lógica nos indica que ha sido preparado.

Los misteriosos bodegones que forman Miel de abeja, la exposición de María Sánchez (1977, Ávila) comisariada por Jesús Micó, amplifican esta siniestra sensación desde la austeridad formal y la precisión conceptual. Sus habitaciones en penumbra contienen antes que ninguna otra cosa, la mesa, el receptáculo necesario, un lugar cubierto fantasmagóricamente por una sabana en toda ocasión desde el que subyugar nuestra percepción en la distancia. Luego están por supuesto los elementos dispuestos sobre ella, siempre mínimos, siempre un contrapunto del espacio vaciado, queriendo rasgar la tabula rasa de nuestra percepción mas inconsciente, cargar de sentido la imagen, resultando siempre un ofrecimiento sutilmente peligroso en el que se nos incita a cometer algún acto, a sucumbir al deseo que se revela desde el espectador hacia la imagen abierta de par en par. Un ofrecimiento que alcanza la mayor y perturbadora contradicción en su simbólica literalidad cuando es el cuerpo de la artista el que ocupa la imagen.
María Sánchez, situada en ese territorio de la creación fotográfica alejada del documento y enraizada en la escenificación, se dirige, quizás sin tenerlo demasiado en cuenta, hacia rincones metalingüísticos, hacia el misterio de la fotografía como acto de voyeur penetración en el otro, su actitud violentamente arrebatadora apunta hacia el origen de las pulsiones en nuestra psique, al lugar donde nuestra mirada se convierte en deseo y el deseo nunca encuentra satisfacción en la mirada.

SERGIO ARITMENDIZNo había entonces pecado

Cuatro Ojos es un minicolectivo formado por Sergio Aritzméndiz y Jesús Gáchez, y como tal han creado este fotolibro. ‘El Paseo de los perros’ se trata de una divertida propuesta en la que ambos participan como autores, tanto de las fotos como del concepto, diseño y edición.Esta serie, realizada en Extremadura, propone un paseo en forma de juego visual, mediante una ingeniosa propuesta plástica en la que es el lector quien elige su propio y personal paseo a través de las 44 páginas que componen el libro.

 

BRENDA MORENOB to B

Es un viaje cíclico. Hablo acerca de mi familia y de aquella que biológicamente no lo es, pero que considero como tal. Exploro los roles que cumplimos en nuestras relaciones afectivas, así como el refugio y el apoyo que encontramos en ellas. Reflexiono sobre la memoria, la similitud en nuestros patrones de conducta y aquello que reflejamos en el otro. También acerca del paso del tiempo, los sueños y las experiencias que construyen nuestra identidad. B to B inició con un retrato de mi abuelo que mi abuela conservaba en su cartera, cuya dedicatoria reza así: «Cuando estés triste, míralo y piensa que estoy junto a ti». En ese sentido, el poder que encierra una imagen para evocar recuerdos me permite explorar mi propia identidad. Y en esta exploración el caballo, al que considero un integrante de mi familia, sirve de puente entre los distintos personajes que figuran en el proyecto, pues simboliza la fuerza vital entre nuestros deseos inconscientes, que logramos dominar, y nuestra propia naturaleza humana. Para este proyecto utilizo fotografías en medio formato, fragmentos y recortes de ellas que dispongo a manera de collage en cuadernos de trabajo, donde voy estructurando el proceso de producción. Incorporo también piezas fallidas y materiales de descarte.


MARTÍN BOLLATI : La Forma Bruta

Aby Warburg sostiene que el discurso histórico nunca nace, que siempre puede volver a comenzar. El pasado, según Warburg, es algo tanto descubierto como inventado y no es más que el mero producto de un inventor de la historia (el historiador), quien reconstruye la ausencia de su objeto perdido y da forma, desde su punto de vista y contexto, a un relato."La Forma Bruta" mira hacia nuestros orígenes, investigando la representación a través del Museo. El proyecto relaciona objeto, dispositivo de exposición y el punto de vista de quien observa. Se trata de (re) imaginar la Historia a través de las imágenes, entendiendo que el presente lleva la marca de múltiples pasados y que nuestra historia tiene el poder de cambiar.

MIKEL BASTIDA: War Theatre

Mikel Bastida ha recorrido Europa Occidental y Oriental recreando la figura de un fotógrafo de la Segunda Guerra Mundial en diversas reconstrucciones históricas, donde grupos de reenactors representan diferentes episodios bélicos en escenarios históricos y campos de batalla ficticios. La serie constituye una búsqueda de esos paisajes que la historia ha convertido en literarios. Escenarios construidos a partir de las diferentes representaciones de la guerra, desde el cine a las fotografías de época, y convertidos en enormes decorados donde la recreación y la simulación dejan al descubierto un imaginario colectivo. El naturalismo fotográfico, la definición de la realidad desde la cámara, no permite personajes ficticios, aunque sí imaginarios. Figuras reales transformadas en protagonistas de una falsa épica, arquetipos de un relato que ha impregnado toda la cultura popular hasta conseguir que la realidad tan solo interese cuando es mitificada por su representación. Es la mirada del fotógrafo quien crea este universo a través de la cámara. Espacios y personajes que tan solo existen en el mínimo instante fotográfico, fragmentos de una realidad que anhela enmascarar su naturaleza efímera al ser representada. 

AGUSTÍN ROBA: FOLLOW THE LIGHTS 99. Childhood

Follow the light 99’ es una serie de autorretratos psicológicos que surge de la necesidad de reafirmarme como individuo, revisando mis vínculos emocionales y afectivos. Es un manifiesto vital sobre las relaciones de pareja, familiares y amistad. El título ‘Follow the Light’ apropiado de la película ‘Poltergeist’, donde Carol, una niña, se siente atraída hacia el lado oscuro por una tormenta a través del televisor, es una dimensión donde se genera el tormento. El número 99 de esta serie sugiere el non finito, un camino que aún sigue su recorrido. Las imágenes apropiadas de mis seres mitificados han sido personalizadas, colocando mis ojos en sus órbitas y añadiéndoles texto para constatar mis creencias, mediante la pulsión de apretar una letra, una palabra o una frase, usando el DYMO. Mis collages mueven a la provocación, con frases insultantes que revelan la soledad, una agresividad oprimida y los conflictos con mi ser verdadero. Son mis hitos culturales, están en mi inconsciente, son los patrones que me educaron en la rebeldía.  

 

LAURA SAN SEGUNDO: El Ser Entreabierto

Licenciada en Bellas Artes por la Universidad Complutense, gana en 2015 la XIII Beca Roberto Villagraz para estudiar el Máster de Fotografía Contemporánea y Proyectos Personales impartido en EFTI, donde además le otorgan el Premio Futuro Al Betrayal. Fue  seleccionada por Self Publish Be Happy para formar parte de la 89+Marathon organizada por Serpentine Galleries (Londres) en 2013, y su trabajo ha sido seleccionado y premiado en diferentes concursos y convocatorias, incluyendo la IV edición del Concurso Internacional de Fotografía Alliance Française y Fundación Pilar Citoler. Algunas de las exposiciones donde se ha mostrado su obra incluyen [aprender, crear, investigar] en la Universidad Complutense (Madrid) o The Peek Show en The Biscuit Factory (Londres) mientras cursaba estudios de Fotografía en la Universidad de las Artes de Londres. Su primera exposición individual tiene lugar en el Centro Para os Assuntos da Arte e Arquitectura de Guimarães, comisariada por la arquitecta Maria Luís Neiva. En 2016 es seleccionada para realizar una residencia creativa en el estudio DDZ (Madrid) y admitida en el programa de doctorado en Bellas Artes por la Universidad Complutense. Vive y trabaja entre Madrid y Londres. 

 

RAMIRO IRIÑIZ : Peep

Mis proyectos indagan sobre el comportamiento humano, sus relaciones y cómo las nuevas tecnologías están cambiando nuestra forma de comunicarnos; empujándonos a sobreexponer nuestra intimidad. Trabajo con la fotografía en su formato más clásico, pasando por el pantallazo, la apropiación, la intervención manual y digital.

PEEP es un análisis visual de un comportamiento social.El proyecto explora la compleja situación actual de las redes sociales y las diversas experiencias que estas aportan. Es una mirada global sobre la creciente necesidad de ser oídos, de ser vistos, de hacer nuestra vida más transparente y de la urgencia de contactar con otros. PEEP es un proyecto en desarrollo que ha sido creado mediante el seguimiento de comunidades de “WebCammers” con una alta exposición sexual, pero poniendo foco en personas que a través de éstas redes también exhiben su vida cotidiana la mayor parte del día.

SARA MEREC: Isla Ignorada
España, siglo XXI. Vivo en un país pionero en derechos LGTB, con una legislación que permite el matrimonio entre personas del mismo sexo desde 2005. Sin embargo, salirse de la norma implica ser objeto de múltiples conflictos: identitarios, sociales, políticos, etc.
Isla Ignorada nace de mi voluntad como artista y lesbiana de explorar nuestra identidad a partir de los testimonios de mujeres que hablan de lo que ha supuesto en sus vidas asumirse como lesbianas y vivir acorde a ello. Es duro y aleccionador constatar cómo se repiten en todas nosotras los mismos fantasmas, problemas y erosiones. Gracias a este autocuestionamiento colectivo arrojamos un poco más de luz y esperanza sobre esta realidad silenciada.
El hecho de estar en sociedad y haber sufrido conflictos similares nos une y nos autodefine, pero entre nosotras somos muy diferentes. Por ello, mi objetivo es contribuir a transformar el imaginario colectivo mostrando nuestra.
- Sara Merec

GABRI SOLERA Terrain Vague

Gabri Solera es un joven fotógrafo español (nacido en Madrid en 1983) que tiene la mirada objetiva del periodista, la imagen estética del cineasta y la visión narrativa de un escritor (sin considerarse ninguna de las 3 cosas). Su temática fundamental es, actualmente, indagar en las relaciones entre hombre, naturaleza y civilización, obsesionado con el paisaje, la ciudad, el land-art, las geometrías, René Magritte y el arte en general. 

TERRAIN VAGUE En su serie Terrain Vague muestra lugares aparentemente olvidados donde parece predominar la memoria del pasado sobre el presente. Son lugares obsoletos en los que sólo ciertos valores residuales parecen mantenerse a pesar de su completa desafección de la actividad de la ciudad. Son, en definitiva, lugares externos, extraños, que quedan fuera de los circuitos, de las estructuras productivas. Son islas interiores vaciadas de actividad, son olvidos y restos que permanecen fuera de la dinámica urbana convirtiéndose en áreas simplemente des-habitadas, in-seguras, im-productivas

LOLA GUERRERA : Lo vulnerable

Lola Guerrera busca crear imagenes cargadas de simbolismo y expresividad. 
Todo su trabajo se asienta en la investigación de lo efímero, y las posibilidades escultoricas de los distintos elementos que utiliza. 
Crea por tanto esculturas efímeras con materiales como el papel, el hilo, la pólvora o elementos naturales encontrados en la ciudad...esculturas que existen solo para el disparo fotográfico. Y es que Guerrera proviene del mundo de la televisión y la publicidad, campos que le hacen desarrollar e investigar sobre un concepto extra cuidado de la estética visual. Generando una comparación entre lo efímero de lo estético y lo efímero de su consumo, trasladado en vuelos de pájaros, nubes de humo o espacios impolutos…

MAIRA SOARESSte seu olhar

Maíra Soares se formó en fotoperiodismo y trabajó como fotoperiodista y profesora de fotografía en proyectos sociales en Sao Paulo. Vive y trabaja en Madrid desde 2011. Ha realizado el máster de Concepto y Creación en Fotografía de la EFTI en 2011.El libro Este Seu Olhar (Esta Mirada Tuya) fue autopublicado por la propia autora en 2012 y es un ensayo realizado a partir de fotografías que su padre hizo de la madre de Maíra el primer año que estuvieron casados. Encontró estas imágenes después de la muerte de su madre, 35 años más tarde, y fue como si ella estuviera contemplando a otra persona.El propósito de este ensayo es ir al encuentro de su madre en una visita a su pasado a través de la mirada de su padre. La intención de Maíra es descubrir su mundo y sus sentimientos en ese período de su vida, mientras se desplaza por la memoria de su padre.En 2012, Este Seu Olhar fue expuesta en el Museo de la Universidad de AlicanteMadridPhoto y PhotoEspaña. Fue seleccionado para el festival Paraty em Foco (Brasil) y Scan Tarragona (España).

FÁBIO CUHNA: Zona

El libro ZONA de Fabio Cunha es un proyecto documental que se esconde tras una ficción: el autor nos cuenta que, tras la crisis inmobiliaria causada por el poder económico y político, se decide abrir una investigación para evaluar sus consecuencias. De ese modo, un supuesto investigador es enviado a ZONA, un lugar cualquiera de la periferia de una ciudad española cualquiera, con el objetivo específico de preparar un informe visual sobre la post-crisis urbana. El documento finalmente presentado es precisamente el libro ZONA, un objeto que con un diseño arriesgado y un manipulado bello y sobrio, nos muestra una colección de extrañas imágenes tomadas bajo un sol inclemente: en ellas, las personas son fragmentadas, alienadas, parecen heridas física y psicológicamente en un entorno hostil donde el muro es protagonista y cuya escala está claramente sobredimensionada respecto al ser humano. Si muchos ladrillos juntos forman una pared, ¿Qué forman muchas personas aisladas? ¿Una ciudad? El libro y el territorio están llenos de sólidos obstáculos construidos para, al mismo tiempo, proteger y separar a sus habitantes. Todo es raro, duro, seco, triste. Sin embargo, Fabio Cunha nos dice que ya ha pasado lo peor y que la vida en esta ZONA parece haber alcanzado una nueva normalidad.

ELENA DEL RIVERO : Cordelia

La fotonovela "Cordelia, lavado en seco" es un proyecto de la fotógrafa Elena del Rivero Fernández y de la guionista María Entrialgo, junto con la actriz Irene Rubio. La obra fue concebida como la primera parte de una serie de fotonovelas, en donde la historia de la protagonista se iría descubriendo dentro de su particular universo.

En ella se cuenta la historia de Cordelia, una chica que huye de su pueblo acosada por los cotilleos y la represión moral. En su nueva vida, en la gran ciudad, descubre una lavandería fantástica donde lavar sus "trapos sucios" y empezar una vida dese cero. En la contraportada se incluye una entrevista a la actriz, en la cual se juega con la ambigüedad entre lo real y lo ficticio, creando una fusión entre el universo de Cordelia y el de la propia actriz.

Elena del Rivero

Elena es una asturiana licenciada en Bellas Artes en Barcelona. En Madrid estudió un Master en Fotografía en la Escuela Efti y otro en Arteterapia con la UCM, UAM y UVA. Trabajó como profesora en la Universidad de Valladolid impartiendo clases de plástica y creatividad para estudiantes de magisterio. Ha participado en exposiciones, como “PhotoEspaña´10” en Madrid y “Segni e Colori nella Litografia”, en el Centro per l’ Insicione e la Grafica d’Arte de Roma (2011). Actualmente, compagina su trabajo en las oficinas de la escuela Efti con la fotografía creativa y la ilustración.




DAILA VIRGOLIN
I: 2012

Hoy por hoy puedo darme cuenta que la tarea de construir, descubrir o buscar una propuesta visual que me interese, es un ejercicio cotidiano que hago para acercarme al mundo. Entender mi mundo.Sobretodo es un juego. Una estretagia que hoy me funciona para encajar las ideas que voy elucubrando, en un modo que mas o menos me guste. Lo que más hago es pensar, y mis ideas las reflejo en imagenes consciente y/o inscoscientemente (como tarea propuesta/autoimpuesta y como acto reflejo propio de alguien que vive en estos tiempos).Muchas de las ideas que están ocupando mi mente son bastante obvias e inesquivables, en estrecha relación con mis condiciones personales actuales, cosas trascendentales y banales tales como: el ser mujer, la necesidad de trabajar, ir al supermercado, cocinar, estar en edad fértil, los sueños, las fantasías, las aspiraciones, el amor, la vida y la muerte. También me interesan particularmente temas relacionados más directamente con el modo en el que trabajo estas ideas: imágenes + internet, comportamiento público vs privado, relaciones humanas, el significado del arte, el cuerpo, la performance, el tiempo y el espacio, lo autobiográfico, lo intimista, lo glamouroso, lo sentimentalista, lo guay, lo cursi.

2012 Hay dos momentos en los que comienza el año, en septiembre y en enero. Ya ha trascurrido un mes de este año, y dejados por imposibles de cumplir muchos de los propósitos que tampoco se cumplieron en septiembre.   Las agendas en papel están en desuso sustituidas por las digitales de los móviles, pero he recibido el regalo de una preciosa agenda para el 2012. Da pena inaugurarla, pero igual es una buena forma de conjurar el paso del tiempo. La agenda es el catálogo de Dalila Virgolini, fruto de su exposición en la Kursala de la Universidad de Cádiz.


VICENTE PAREDESFurtivos

Vicente Paredes se graduó en periodismo en 1995 en la Universidad del País Vasco (UPV) y estudió fotografía en el Westminster College de Londres. Es profesor de fotografía en el CFC (Centro de Fotografía Contemporánea) de Bilbao.Sus proyectos fotográficos se centran en esas realidades donde los protagonistas están al margen de las normas sociales, no porque sea una moda, lo hayan leído en una revista o escuchado a su grupo de música favorito, sino que sus instintos, por encima de toda toma de conciencia, les llevan a ocupar un terreno para hacer una huerta o casarse con 14 años. Normalmente utiliza el flash en su fotografía documental. Furtivos trata de los comportamientos que van en nuestro programa genético. Aunque no haya tierra, el perro siempre tratará de enterrar su hueso; y, aunque bajo sus pies haya túneles de metro, cristal y cemento, el hombre los horadará para plantar una semilla. Okupas precarios, habitantes de una zona gris, recluidos en reservas como indígenas, pronto aprendieron cuál era la clave para la supervivencia: no ser nunca detectados.

 

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