La XX edición de PHotoESPAÑA tendrá lugar entre el 31 de mayo y el 27 de agosto de 2017.

El 20 Aniversario es para PHotoESPAÑA una gran oportunidad para dar un nuevo paso adelante, 20 años después de su nacimiento. El Festival forma parte de un mundo cambiante: en estos años la fotografía ha tenido un enorme desarrollo. Además, el mundo digital ha dado una nueva dimensión tanto al Arte como a la forma de comunicarlo y de presentarse en la sociedad; esto ofrece una gran oportunidad de desarrollo para el Festival.

La celebración del 20 Aniversario en los próximos dos años, 2017 (en el que se celebra la XX Edición) y 2018 (aniversario de nuestro nacimiento), es la oportunidad para poder llevar adelante nuevas ideas e inversiones que redunden en la consolidación del Festival tanto nacional como internacionalmente.

PHE aborda la celebración de la vigésima edición y los 20 años de nacimiento, revisando lo que han significado estos 20 años en el ámbito de la fotografía y las artes visuales. PHotoESPAÑA mira al pasado, al presente y a lo que se perfila como el futuro. Lo nacional en continua convivencia con lo internacional. Nombres totalmente consagrados junto con otros hasta ahora desconocidos. Una suma de puntos de vista que, desde cada uno de ellos en particular, aporta una visión, una versión del Festival única, diferente y nueva

A continuación, te ofrecemos un listado de las exposiciones recomendadas por EFTI en la que participan antiguos alumnos y profesores de EFTI.

A modo de gran celebración de los treinta años  que llevamos haciendo Escuela, presentamos a tres fotógrafos actuales, en tres estadios diferentes de su proceso creativo, de tres generaciones diferentes – 40, 30 y 25 años-, consolidado, comenzando a alcanzar la madurez, y en los inicios, pero que comparten reflexiones comunes sobre el medio fotográfico, y estilos complementarios. En 3/30 trabajan juntos hibridando y enhebrando un mismo discurso, que les permite encontrarse en un lugar de entendimiento y dialogo en común. A través del uso de la fotografía investigan sobre las alteraciones del espacio y su capacidad escenográfica.

 

Los tres artistas son antiguos alumnos del Master Internacional de Fotografia Contemporánea y Gestión de Proyectos, Julio Galeote, Christian Lagata y Laura Sansegundo 
Mira la info en PHOTOESPAÑA
 

Raúl Kalesnik- El lugar donde vivo Del 6 de junio al 1 de julio en Ponce + Robles Inauguración: 3 de Junio a las 12h

El sábado 3 de junio a las 12h en la Galería Ponce+ Robles se inaugura esta exposición del alumno del recién acabado Master Internacional de Fotografía Contemporánea y Gestión de Proyectos, Raúl Kalesnik, ganador del Premio NEXOFOTO de este año.
Comisaria: Nerea Ubieto

En el año 2011 y en 2015 se celebró en Michoacán y Veracruz una convocatoria de dibujo infantil. El tema era: “Dibuja el lugar donde vives”, siendo el resultado unas demoledoras imágenes de tiroteos y secuestros. Estos dibujos, junto con las imágenes extraídas de Google Street View de las ciudades mexicanas con mayor índice violencia, le sirvieron al antiguo alumno del Master Raúl Kalésnik (Ciudad de México, 1986) para realizar el proyecto El lugar donde vivo, obteniendo el Premio ganador en la IV Edición de NexoFoto, mostrando así la situación de violencia cotidiana que viven los niños de su país.

Biografía de Raúl Kalésnik.

Raúl Kalesnik (Ciudad de México 1986). Nació y creció en la Ciudad de México, de madre mexicana y padre argentino. Entre 2006 y 2010 realizó estudios de Literatura y Cine, así como trabajos de corrección de estilo y publicidad. Posteriormente hizo algunos talleres de fotografía en DF con IataCannabraba, Eloy Martínez y Francisco Mata Rosas. Llegó a Madrid en 2015 para realizar el curso Profesional II en EFTI, posteriormente realicé el Máster en Fotografía Contemporánea y Proyectos.

Impulsado por la frustración y la impotencia de ser un espectador a la distancia que observa el problema de la violencia que sufre su país, decidió realizar un trabajo sobre este tema para el proyecto final del máster. “Fue en los distintos talleres cursados en EFTI donde amplié mi visión de la fotografía y aprendí nuevas estrategias narrativas. Actualmente trabajo con imágenes de apropiación obtenidas principalmente de internet”.

Sus proyectos, según él mismo afirma, son una respuesta a las ideas y cuestionamientos que hace sobre la realidad a nivel político-social y a nivel metafísico. Se interesa por el papel de la imagen como herramienta de comunicación del pensamiento y la consciencia humana, así como un espacio de experimentación sensorial.
Raúl fue el ganador de la última edición de NEXOFOTO
 

Melisa Chen en la Colectiva del 1er Premio Internacional de Fotografía Mondo Galería Del 13 al 16 de junio en Mondo Galería

Mondo Galería celebra con esta exposición el 1^er Premio Internacional de Fotografía.  La muestra está  compuesta por el trabajo ganador del premio y los 9 accésits. La serie ganadora “Ver de Acción” de Antonio Guerra explora los límites entre lo natural y lo cultural, creando una experiencia con el paisaje y la interacción con el espacio. Para ello utiliza la fotografía como medio creador de una ilusión verdadera y la capacidad ilusoria del paisaje como construcción social, recurriendo a la intervención y escenificación para reinterpretar la relación entre hombre y naturaleza.

Autores:Antonio Guerra, Thom Pierce, Pasquale Biasco, Jorge López Muñoz, Elisa Celda, Gabriel Ruiz-Larrea, Casimiro Martinferre, Melissa Chen, Subodh Kerkar, Jon Gorospe y Aurore Valade.

Biografía de Melissa Chen.

"Mezclando mis perspectivas emocionales y sociológicas, utilizo imágenes para descubrir aspectos híbridos de mi identidad, cuento historias en un paisaje en movimiento como resultado de mi vida semi-nómada, comunico mi inquietud, mi felicidad, trato de recordar Con la idea de desplazamiento en mente, me adentré en mi propia psique para explorar las definiciones de "hogar". Con estas palabras describía la artista su obra.

Melissa Chen es fotógrafa y profesora de Los Angeles, CA. Nacida en una gran ciudad industrial de China, ahora vive en un pueblo montañoso de Andalucía, España, donde realizó el trabajo fotográfico Gamón acéssit del Primer Premio Internacional Mondo Galería expuesto en la edición PHE2017.
Ver noticia: Melissa Chen Mondo Galería
 

Marta Soul, David Delgado en la colectiva Una + Dos junto a Andy Sotiriou Del 9 al 22 de julio en BAT Alberto Cornejo Galería

 

Una+dos nos muestra tres miradas diferentes.
David Delgado, antiguo alumno, desarrolla su trabajo en tres líneas de investigación: la Fotografía Documental, el Retrato Contextualizado y lo que denomina Realidad Intervenida.
Andy Sortiriu encontró en la fotografía el medio de expresión perfecto que aúna su interés en el arte y en la ciencia.
Marta Soul, antiguoa alumna del Master,  reflexiona sobre la interacción que se da entre la imagen y la realidad, sin obviar la in uencia mutua que surge entre ambas.

 

BIOGRAFÍA DE DAVID DELGADO

"Me encantan las ideas que elevan nuestro espíritu y nos hacen sentir parte de algo más grande que nosotros mismos. Como estratega visual con The Studio en el Laboratorio de Propulsión a Chorro de la NASA, obtengo mi experiencia en antropología, publicidad y aprendizaje de arte y ciencia para crear experiencias que activan la imaginación de las personas e invitan a pensar más profundamente sobre las cuestiones que impulsan la ciencia y la tecnología adelante. Un tema central de mi trabajo es la relación entre la imaginación y el deseo de explorar.

Fuera de JPL, trabajo como un artista independiente y co-fundador del Museo del Temor, desarrollado para dejar a los visitantes sentir el don y el privilegio de estar vivo."

 

BIOGRAFÍA DE MARTA SOUL

"Nací en Madrid, cuando crecí. Un día tuve que enfrentar una decisión difícil: mi profesión de la vida. La gente me pidió que me decidiera, así que ejecuto una especie de sorteo. Hice una lista con varias opciones: enfermería, diseño de moda, handcrafter, griego antiguo, escritor, etc cerré los ojos y al azar dejó caer mi dedo en la hoja y adivina lo que señalé a ... fotógrafo! Nunca tuve que pensar en ello de nuevo. A su vez, empecé a pensar sobre los roles sociales, las emociones, la apariencia física, y para volver a pensar muchas decisiones de la vida de las personas!

En mi obra, produjo reflexiones visuales sobre la interacción entre temas culturales como la estética del yo (apariencias), las emociones (y su relación con los valores) y el comportamiento (patrones de interacción). La fotografía me ha permitido construir imágenes que plantean preguntas sobre estereotipos actuales sobre temas como la inmigración, el consumismo o el amor romántico. Mis imágenes a menudo incluyen personajes retratados en los fondos con una narrativa social particular. Juego con la apariencia de estos personajes (por ejemplo, la estética de una vida exitosa) para reflexionar sobre temas como el logro de voluntades o la expresión de deseos insatisfechos en la sociedad consumista. Mis imágenes se producen a través de un proceso complejo, pero, en cualquier caso, mi relación con las personas es esencial para el resultado final."
 

Ciuco Gutiérrez, Director del Master Internacional de Fotografía Contemporánea y Gestión de Proyectos, reflexiona sobre los límites de la fotografía en relación con la pintura. En diversas ocasiones y a lo largo de su carrera artística, su trabajo ha sido definido como más pictórico que fotográfico, quizás porque su metodología ha permanecido alejada del enfoque instantáneo convencional. En definitiva sus imágenes parten de un boceto conceptual preestablecido, que más tarde será desarrollado, como si de un lienzo en blanco se tratara, bajo la tutela de la técnica fotográfica, con la que el artista se identificó desde sus inicios. El resultado de esta simbiosis es un mestizaje que evidencia la interrelación entre el concepto y la técnica.

BIOGRAFÍA DE CIUCO GUTIÉRREZ

“Un cierto panorama – reciente fotografía de autor en España –“ comisariada por el profesor del Master Jesús Micó, Director de La Kursala de Cádiz con el trabajo de la profesora Bego Antón, las antiguas alumnas del Master Elisa González y Bernardita Morello, junto a Teo Barba, Jon Cazenave,  y Jesús Monterde para ofrecer una visión panorámica de las principales líneas de trabajo que presenta la creación fotográfica actual realizada en nuestro país.

La exposición se divide en tres apartados: la exposición de los 6 autores ya mencionados, una sección de fotolibros y 48 artistas en formato audiovisual.
Aquí encontrarás a los alumnos y antiguos alumnos del Master Alfonso Almendros- Beca Roberto Villagraz 2016 - David Barreiro, Irene Cruz, Fabio Cunha, Mª José García Piaggio, Antonio González Caro, Mara León, Mar Martín, Daniel Mayrit, Miren Pastor, Antonia Moreno, Pachi Santiago junto a Carlos Aguilera, Carlos Alba, Javier Arcenillas,  Israel Ariño, Rafael Arocha, Patricia Bofill, Nacho Caravia, Ivan Clemente,Tiago da Cruz, Isra Cubillo, Alejandro Dueñas, Alberto Feijoo, Albero Franco Díaz, Jorge Fuenbuena, Andrés Galeano, Carlos García Martínez, Olmo González, Jon Gorospe, Javier Hirschfeld, David Hornillos, Miquel Llonch, Amador Lorenzo, Jesús Madriñán, Marta Martínez Corada, Fernando Maselli, David Mocha, María Moldes, Miguel Ángel Moreno Carretero, César Ordoñez, Paco Poyato, Juanan Requena, Mar Sáez, David Salcedo,  Michele Tagliaferri, Manu Trillo y Yosigo

Además, se han organizado una serie de Encuentros con los profesores del Master Jesús Micó, Verónica Fieiras, y Juan Valbuena, Coordinador del Master Internacional de Fotografía Contemporánea y Gestión de Proyectos. También visitas guiadas gratuitas. La info aquí y al final de esta noticia

La muestra ahonda en las estrategias, estilos y lenguajes que ha adoptado esta reciente generación de fotógrafos, entre los que se encuentra la creación de colectivos de edición y promoción, el internacionalismo en la temática y el gran protagonismo del fotolibro, muy presente en la exposición a través de más de una cincuentena de ellos.

La exposición se estructura en tres apartados específicos. El primero incluye la producción de 6 autores: Bego Antón, Elisa González, Teo Barba, Jon Cazenave, Bernardita Morello y Jesús Monterde cuya obra está presente a través de proyectos integrales confrontados en cada una de las plantas de la sala. El segundo apartado presenta la obra de otros 48 artistas en formato audiovisual y la tercera sección incluye los fotolibros. Todo ello complementado con un sugerente background sonoro que unifica el espacio de la Sala Canal de Isabel II.

A través de esta amplia selección de obras se podrá ahondar en la rica pluralidad de planteamientos que ayudan a definir la actual fotografía de creación española, tanto desde el punto de vista estético como temático, recorriendo múltiples formatos, lenguajes, concepciones y recursos.
 

Esta edición de PHotoEspaña, el que fue profesor de Efti, Alberto García Álix, cuenta con un papel protagonista: es el encargado de comisariar 6 exposiciones que giran en torno a la idea de "lo sublime y lo heterodoxo"

“Partía de la acepción clásica de la palabra sublime, que es aquella exaltación corpórea que se produce cuando dolor y placer van de la mano. Y lo heterodoxo es lo que está fuera de norma. Y bajo esas dos premisas, he conjuntado los autores”.

En 'La exaltación del ser. Una mirada heterodoxa', verás a sus fotógrafos favoritos, con los que se siente identificado en "la pulsión que demuestran en sus obras."
"Mi trabajo está más cerca de la sublimidad porque fotografío a través del trance, es decir de una pulsión y una exaltación. Yo fotografío con un sentido muy pasional de la mirada y eso me acerca a la sublimidad"

Bajo estas premisas, 'La exaltación del ser. Una mirada heterodoxa' reune el trabajo de Pierre Molinier, Paulo Nozolino, Anders Petersen, Teresa Margolles, Karlheinz Weinberger y quien pasó por nuestras aulas, Antonie d'Agata.

La propuesta de García-Álix se cierra con un laboratorio de creación editorial en Tabacalera, comisariado por los profesores Verónica Fieiras (CHACO) y Gonzalo Golpe (La Troupe), que han invitado a los autores de ‘Holy Bible’ para que lo lideren. Adam Broomberg y Olivier Chanarin, son editores especializados en las formas de representar la violencia o la guerra.
En este Laboratorio, editores y fotógrafos invitados convivirán las 24h y durante 5 días - entre el 5 y el 9 de julio- para reflexionar sobre "lo sublime y lo heterodoxo" y, con el resultado, generar una exposición site specific del proceso de dicho encuentro y abrir las puertas de Tabacalera para que el público pueda contemplar los resultados.

Artistas invitados: el coordinador del Master Juan Valbuena, la profesora Bego Antón, Vincent Delbrouck (Bélgica), Roger Guaus, David Fathi, José Luis Cuevas, Musuk Nolte y Lurdes Basolí
 

La obra de Alberto García-Alix recorre diversos países y es admirada en publicaciones como Vogue, British Journal of Photography o Vanity Fair. Amante de las motocicletas y de los retratos, sus cámaras Leica y -Hasselblad han inmortalizado a importantes artistas nacionales e internacionales. Las motos, los tatuajes, la música y la noche han sido algunas de sus musas de inspiración.

En esta ocasión va a presentar fotografías de distintas series realizadas entre los años 2010 y 2017.

BIOGRAFÍA DE ALBERTO GARCÍA ÁLIX

El proyecto Lalibela, cerca del cielo documenta el conjunto de iglesias medievales excavadas y esculpidas en la roca, declaradas por la UNESCO Patrimonio Cultural de la Humanidad en 1978 y retratadas por la profesora del Master Cristina García Rodero entre 2000 y 2009, en un proyecto fotográfico en el país africano en el que aún continúa trabajando.

Cristina García Rodero, una de las más destacadas autoras de la fotografía espanola contemporánea, galardonada entre otros con el Premio Nacional de Fotografía y la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes, fotñografa de  se sumerge en el universo de la ciudad etíope de Lalibela.

Cristina García Rodero hizo varios viajes a Etiopía entre el ano 2000 y 2009, y quedó especialmente fascinada con la ciudad de Lalibela. Situada en el corazón de las montanas de Etiopía, es un lugar sagrado y centro de devoción para la cristiandad etíope, único país del África negra donde el cristianismo se extendió directamente desde Tierra Santa. Sus impresionantes once iglesias medievales, excavadas y esculpidas en la roca, fueron declaradas Patrimonio Cultural de la Humanidad por la Unesco en 1978. En las imágenes podemos observar tanto la belleza y peculiaridad de sus iglesias medievales, el paisaje y las rocas como la riqueza de las ceremonias y los ritos que allí se celebran. Sus fotografías nos introducen en un viaje simbólico por esa tierra santa, esa ciudad bíblica, a miles de kilómetros de Jerusalén, que nos transportan a Lalibela, en la que el tiempo parece haberse detenido para sumergirnos con sus ritos y ceremonias en una época que creíamos perdida.

Considerada como sagrada por los etíopes  el rey Gebra Maskal Lalibela, que gobernó entre 1172 y 1212, quiso hacer de ella una Nueva Jerusalén, en respuesta a la conquista de Tierra Santa por los musulmanes. Para ello mandó construir once iglesias medievales, excavadas y esculpidas en la roca, que se convirtieron en centro de devoción y peregrinación.

 

 Esta muestra presenta fotografías en medio y gran formato junto con una instalación de audio y un poema del artista. Universos cuyo montaje permitirá establecer diálogos entre el lirismo contenido en cada una de las imágenes y el conjunto, generando un ambiente envolvente de atmósferas sutiles. Son los delicados frutos del artista los que liberan nuestra imaginación a partir de cosmovisiones íntimas para descubrirnos nuevas zonas emotivas en sus composiciones, hablándonos de la vida, la muerte, el tiempo, las palabras y los sonidos del silencio.
 

Manuel Vilariño (La Coruña, 1952) , Premio Nacional de Fotografía en 2007, es un artista en contacto permanente con la naturaleza, cuyo fondo poético y su constante actitud contemplativa otorgan a su trabajo unas características muy personales: austero, sosegado, algo dramático.

Inicia su carrera fotográfica en los años setenta sintiéndose muy atraído por la fotografía social, pero pronto se lanzó a la experimentación con la forma y el color logrando una fotografía abstracta cargada de personalidad. Sin embargo poco a poco su interés por la poesía y el misticismo oriental le llevaron a convertirse en el gran de la naturaleza muerta que es hoy.

"Mi fotografía no existiría si no existiera la poesía, porque es un todo indivisible." Fotógrafo y poeta, pintor e inventor de realidades, su obra transcurre entre los cauces de lo salvaje y aspectos de cariz cultural; el tiempo, la soledad, la vida y la muerte son una constante en su fotografía. Conceptos que refleja a través de imágenes evocadoras protagonizadas por animales (lagartos, aves), acompañados a veces de otros elementos alegóricos como calaveras, frutas, velas o herramientas.

Info en Puxagallery
 

Corpus, instalación del antiguo profesor Antoine d’Agata está compuesta de textos, imágenes y varios audiovisuales, reconsidera la trayectoria de un hombre que escribe incansablemente el mismo guión de vida excesivo al que ha decidido ceñirse como protagonista de sus propias imágenes, haciendo un esfuerzo por pensar, sentir y actuar a la altura de sus propias palabras.

En ese acto de vida, que es un acto de resistencia y de comunión con sus temas, deja que el deseo y el miedo lo conduzcan a través de los rituales paganos del instinto y la violencia irracional del mundo.

Mediante la relectura de una obra con bases teóricas y políticas, abordada desde el ángulo del testimonio biográfico y el relato de los hechos y gestos de una figura “encarnada” del artista, la exposición intenta enunciar la experiencia de una realidad vivida de manera cada vez más intensa.

Coincidiendo con esta exposición, Antoine D’Agata presentará en el CBA su libro CODEX, Antoine d’Agata, México 1996-2017. Durante el acto de presentación, que tendrá lugar el 31 de mayo a las 19:30, el autor dialogará con Ramón Reverté.

Exposición no recomendada para menores de 18 años. Contiene imágenes de violencia y sexo explícito que pueden herir la sensibilidad del espectador.